Dissertationsprojekte

Kontakt zum Autor: bauert@saw-leipzig.de

Obwohl die Karwoche gemeinsam mit dem Osterfest seit dem frühen Mittelalter den theologischen Kulminationspunkt des Kirchenjahres bildete, etablierte sich erst gegen Ende des 15. Jahrhunderts im Gebiet des heutigen Italien ein eigenständiges polyphones Repertoire für diesen Anlass: zunächst die Lamentationen, später auch die insgesamt 27 großen Responsorien (responsoria prolixa) für die Matutin der letzten drei Kartage. Wenngleich diese Responsorien in sämtlichen Auflagen des maßgeblichen deutschsprachigen Musiklexikons (Die Musik in Geschichte und Gegenwart) als „eine der wichtigsten Gattungen der katholischen Kirchenmusik“ apostrophiert werden, handelt es sich mit Ausnahme einiger berühmter Vertonungen (Gesualdo, Victoria, J.M. Haydn, Zelenka) weitgehend um wissenschaftliche terra incognita. Das Forschungsdesiderat betrifft neben einem grundlegenden Repertoireüberblick auch die Zugänglichkeit der Musik in kritischen Editionen sowie deren Analyse und zeit-, kultur- und kirchengeschichtliche Kontextualisierung. Das primär gattungsgeschichtlich verortete Dissertationsvorhaben adressiert sämtliche dieser Themenbereiche, wobei sich der Untersuchungszeitraum von den ersten Zeugnissen polyphoner Ausführung um 1480 über die auf das Konzil von Trient folgende Blütezeit bis hin zum Ende der A-cappella-Periode um 1620 erstreckt. Dadurch ermöglicht die Studie einen differenzierteren Blick auf die Kirchenmusik jener Zeit abseits der Leitgattungen Messe und Motette.

Betreuung: Prof. Dr. Hartmut Schick

Förderer: Cusanuswerk – Bischöfliche Studienförderung, Deutsches Historisches Institut Rom

Kontakt zum Autor: Markus.Bellheim@hmtm.de

Béla Bartóks Exiljahre in den USA, denen ein Aufenthalt in der Schweiz voranging, markieren eine tiefgreifende Phase ästhetischer und stilistischer Transformation in seinem kompositorischen Schaffen. Die Arbeit untersucht, inwiefern sich Bartóks musikalische Sprache unter den Bedingungen von Emigration, kultureller Entwurzelung und veränderten Rezeptionskontexten wandelte. Während seine früheren Werke stark durch osteuropäische Volksmusiktraditionen und eine radikale rhythmisch-harmonische Innovationskraft geprägt sind, zeigen die Exilkompositionen eine Tendenz zur formalen Klarheit, motivischen Verdichtung und teilweise auch zu einer zugänglicheren Klangsprache. Besonders auffällig ist eine stärkere Orientierung an klassischen Formen sowie eine subtilere Integration folkloristischer Idiome, die nicht mehr direkt zitiert, sondern strukturell transformiert werden. Gleichzeitig spiegeln sich in den Werken emotionale Spannungen wider, die aus der Erfahrung von Isolation, Krankheit und politischer Unsicherheit resultieren.

Die Untersuchung soll zeigen, dass Bartóks Exilwerke nicht als Bruch, sondern vielmehr als Weiterentwicklung seines musikalischen Denkens verstanden werden können. Ihre stilistische Transformation erscheint als bewusste künstlerische Neupositionierung im Spannungsfeld zwischen Tradition und Moderne. Somit eröffnet das Exil eine neue Perspektive auf Bartóks Œuvre, in der sich Kontinuität und Wandel in produktiver Weise verschränken.

Betreuung: Prof. Dr. Wolfgang Rathert

Kontakt zum Autor: martin.blaumeiser@campus.lmu.de

Neben dem epochalen „Klavierkonzert mit Männerchor“ von 1904 gibt es von Ferruccio Busoni (1866–1924) noch mindestens fünf weitere vollendete Stücke für Klavier und Orchester, die nicht nur im Konzertbetrieb so gut wie keine Rolle spielen, sondern überdies in der Busoni-Literatur eher stiefmütterlich behandelt wurden: darunter etwa die noch unaufgeführte Komposition Introduction et Scherzo BV 210. Die zu betrachtenden Stücke entstanden vom 12. Lebensjahr des Künstlers bis kurz vor seinem Tod, zeichnen somit die gesamte stilistische Entwicklung Busonis nach. Das Ziel der Arbeit soll allerdings nicht nur eine Gesamtdarstellung der untersuchten Werkgattung sein, sondern insbesondere einige Aspekte näher beleuchten, die jenseits von musikarchitektonischer Analyse bislang noch recht wenig erforscht wurden: vorrangig die Instrumentation, die – von unterschiedlichen Einflüssen geprägt und zunächst eher epigonal – erst spät zu einer recht individuellen und flexiblen Schreibweise führt. Ebenfalls soll geklärt werden, inwieweit sich Busonis Klaviersatz in diesen Werken etwa von denjenigen für Klavier solo unterscheidet.

Betreuung: Prof. Dr. Wolfgang Rathert

Kontakt zum Autor: András Borbély T.

Opern sind vertonte Dramen und bestehen aus Szenen, in denen Akteure handeln und so den Handlungsverlauf beeinflussen. Die gesungenen Texte vermitteln die Geschichte, doch der eigentliche Gehalt liegt oft im Subtext – verborgen in Betonung, Mimik, Gestik und Szenographie. Diese Elemente, die zur Theatersemiotik gehören, machen das vollständige Verständnis einer Oper erst möglich.

Oper ist Musik-Theater: Welches Verhältnis besteht zwischen Handlung und Musik? Ist sie bloße Begleitung oder ein unsichtbarer Akteur, der das Geschehen aus einem anderen Blickwinkel beleuchtet? Musik kann kommentieren, Emotionen vertiefen oder eine zusätzliche Bedeutungsebene eröffnen. Doch kann sie selbst Handlungsträger sein? Und welche musikalischen Mittel drücken etwa Zweifel, Angst oder Hoffnung aus?

Diese Arbeit untersucht, wie Manfred Gurlitt (1890–1972) Musik in seinen Opern einsetzt. Von seinen acht Opern werden vier mit literarischen Vorlagen analysiert: Woyzeck, Soldaten, Nana und Herrn Arnes Schatz. Trotz Gurlitts Erfahrung als Operndirigent blieben seine Werke weitgehend unbekannt. Gründe dafür könnten in seinem Werdegang und den veränderten Theaterbedingungen nach dem Zweiten Weltkrieg liegen.

Betreuung: Prof. Dr. Wolfgang Rathert

Kontakt zur Autorin: J.Bulitta@campus.lmu.de

Nach dem Zweiten Weltkrieg suchte die junge Komponistengeneration nach Wegen, Musik zu schreiben, die der neuen Freiheit entsprach, aber auch an frühere Entwicklungen anknüpfte. Besonders die Tendenzen der 1920er-Jahre, bevor die NS-Zeit sie unterbrach, standen zur Diskussion. Paul Hindemith wurde zum Vorbild, da er mit seiner Unterweisung im Tonsatz eine fundierte Lehre bot und sich moralisch von NS-Deutschland distanziert hatte. Erst ab 1948 gewann Arnold Schönbergs Zwölftonmethode an Bedeutung, erreichte ihren Höhepunkt Anfang der 1950er-Jahre und wurde kontrovers diskutiert: Serialisten wie Boulez und Stockhausen forderten eine konsequentere Anwendung, während Traditionalisten sie als zu rational kritisierten.

Hans Werner Henze nahm eine Mittelposition ein. Seit 1947 nutzte er Zwölftonreihen als Ausgangspunkt, aber nicht dogmatisch, sondern als flexibles Gestaltungsmittel. Mein Dissertationsprojekt untersucht diesen expressiven Umgang mit der Dodekaphonie, ihre Entwicklung in Henzes Werk und den Einfluss seiner Lehrer Fortner, Leibowitz und Rufer. Dabei spielen auch frühe Lehrwerke zur Dodekaphonie eine Rolle, die die Variabilität dieser Methode verteidigten. Leitfragen sind, wie Henze persönliche Ausdrucksmöglichkeiten in der Zwölftonmusik nutzte und produktiv mit Kritik umging.

Betreuung: Prof. Dr. Wolfgang Rathert

Kontakt zum Autor: p.dziurla@lmu.de

Bereits während seiner Studienzeit bemühte sich Bernd Alois Zimmermann um die Aufnahme seiner Werke in einem geeigneten Verlag. Die Zusammenarbeit mit dem Verlag B. Schott’s Söhne kam, nachdem erste Werke im Eigenverlag und bei anderen Verlagen erschienen waren, 1949 zustande. Zimmermann und Schott (bzw. genauer: die Verlagsleitung und die Mitarbeiter und Mitarbeiterinnen der einzelnen Abteilungen) korrespondierten regelmäßig über unterschiedliche Themen: von geplanten Aufführungen und potenziellen Aufführungsmöglichkeiten, über geeignete Libretti im Vorfeld der Komposition von Zimmermanns Oper Die Soldaten sowie über Fragen zu Materialherstellung, Vertrieb und Werbung bis hin zum Austausch über private Themen.
Allein für den Zeitraum von 1946 bis 1959 haben sich über 700 Briefe im Nachlass des Komponisten erhalten. Im Rahmen des Promotionsprojekts soll die Korrespondenz dieser Jahre in einer kommentierten Auswahledition vorgelegt werden. Ein wichtiger Leitfaden bei der Kommentierung der Briefe ist, dass sie beiden Korrespondenzpartnern gerecht werden soll. Der Fokus soll dabei nicht hauptsächlich auf dem Werk Zimmermanns liegen, sondern im gleichen Maße auf der Arbeit des Verlags. Des Weiteren soll die Kommentierung Informationen zu den in der Korrespondenz genannten Personen, Organisationen, Werken Dritter sowie Verweise auf noch erhaltene Quellen enthalten.
Neben den kommentierten Briefen und Registern wird die Arbeit außerdem Kapitel zu ausgewählten Aspekten der Korrespondenz zwischen Zimmermann und Schott enthalten.

Betreuung: Prof. Dr. Wolfgang Rathert

Kontakt zum Autor: M.Eberle@campus.lmu.de

Das Musikdenken des Mittelalters ist durch die Vorstellung einer Analogie zwischen erklingender Musik und Sphärenharmonie geprägt – eine Grundannahme, die auf der Rezeption der antiken Philosophie beruht. Dieser Umstand ist heute gut erforscht. Weniger Beachtung haben die Fragen nach der Konsequenz und transkulturellen Gültigkeit dieses Konzepts gefunden: Wie wurde erklingende Musik im griechischen, arabischen und lateinischen Musikdenken, allesamt Rezipienten des antiken Gedankenguts, in Relation zur religiös aufgeladenen Musik der Sphären wahrgenommen? Das Dissertationsprojekt untersucht diese zentralen Fragen anhand ausgewählter Musiktheorien des 11. Jahrhunderts. Als Ausgangspunkt dienen dabei die Schriften des
konstantinopolitanischen Philosophen Michael Psellos. Anhand der erstmaligen systematischen Analyse seiner im frühen byzantinischen Hochmittelalter nahezu alleinstehenden Aussagen versucht das Projekt die Rekonstruktion eines byzantinischen Musikdenkens vor den einschlägigen Traktaten. Im Anschluss soll es anhand einer an das Konzept der Transkulturalität angelehnten Methodik mit den musiktheoretischen Aussagen Ibn Sīnās (Avicennas) und Otlohs von St. Emmeram verglichen werden. Das Projekt zielt dabei auf eine Kontextualisierung der drei Systeme im Rahmen eines transkulturellen mittelalterlichen musikalischen Weltbildes und dessen Konsequenzen für die Praxis.

Betreuung: Prof. Dr. Irene Holzer und Prof. Dr. Emmanouil Giannopoulos

Förderer: Studienstiftung des deutschen Volkes e.V.

Kontakt zum Autor: st.gross@campus.lmu.de

Forschungsgegenstand ist der Komponist, Kirchenmusiker und Musikwissenschaftler
Dr. Franz Lehrndorfer sen. (1889–1954). Sein Nachlass befindet sich zum größten Teil in der Bayerischen Staatsbibliothek in München. Weitere Dokumente werden im Stadtarchiv Kempten und im Pfarrarchiv von St. Lorenz/Kempten, wo Lehrndorfer sen. die längste Zeit seines Berufslebens tätig war, aufbewahrt oder befinden sich in Privatbesitz. Das kompositorische Werk von Lehrndorfer sen. umfasst rund 150 Kompositionen: vor allem geistliche Vokalmusik (Messen, Requien, Kantaten, Gradualien, Pange-lingua-Vertonungen, Offertorien usw.), aber auch weltliche Kantaten, Chorwerke, Lieder für Singstimme und Klavier usw. sowie einige Instrumentalwerke.
Neben einer Biographie von Lehrndorfer sen. mit Fokus auf sein musikalisches Schaffen wird die Erstellung eines wissenschaftlichen Werkverzeichnisses im Mittelpunkt der Arbeit stehen. Schließlich soll untersucht werden, wie die von Lehrndorfer sen. komponierte Musik im Kontext des kirchenmusikalischen Schaffens in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu verorten ist. Ziel der Dissertation ist die grundlegende wissenschaftliche Aufarbeitung des musikalischen Nachlasses dieses zeitlebens stark heimatverbundenen Musikers.

Betreuung: Prof. Dr. Irene Holzer

Kontakt zur Autorin: a.schamberger@campus.lmu.de

Gegenstand der Dissertation ist die politische Haltung und die daraus resultierenden Aktivitäten des Komponisten und Kulturfunktionärs Werner Egk (1901–1983) vor, während und nach der NS-Zeit. Ausgangspunkt sind in vorausgegangener Forschungsarbeit augenfällig gewordene Diskrepanzen und ungeklärte Sachverhalte in Egks Biographie sowie das Interesse der Doktorandin an der Untersuchung musikalischer Werke Egks. Ziel ist daher zum einen die vertiefte Erforschung von Egks Umfeld in der Weimarer Republik, der Hintergründe seines Aufstiegs und Erfolgs im „Dritten Reich“ sowie der Bedingungen seiner Nachkriegskarriere. Zum anderen werden ästhetische Phänomene in musikalischen Werken Egks unter Berücksichtigung des kulturpolitischen Kontexts im Hinblick auf eine beabsichtigte Assoziativität mit der NS-Ideologie analysiert. Hierzu kommen u. a. Strategien der Biographieforschung und der systematischen Musikwissenschaft (Musiksoziologie) zur Anwendung. Als Quellen dienen der Nachlass Werner Egks, diverses Archivmaterial, Autographe, Notendrucke und Einspielungen seiner Werke, Schriften, Interviews und Pressematerial.

Betreuung: Prof. Dr. Hartmut Schick und Prof. Dr. Wolfgang Rathert

Kontakt zur Autorin: hedwig.oschwald@campus.lmu.de (Assoziiertes Mitglied des IDK Philologie)

In professionellen Lehrwerken für Violine des 18. Jh. (darunter L. Mozarts Violinschule) sind erste Modelle einer Musikgeschichtsschreibung zu beobachten, welche in Zusammenhang mit dem aufkommenden Historismus einen Beginn des Nachdenkens über die Aufführung der Musik vorangegangener Generationen markieren. Rund 80 Jahre später deuten Anmerkungen in P. Baillots L’Art du Violon darauf hin, dass sich ein spezifisches Bedürfnis nach wissenschaftlicher Aufarbeitung und eine Reflexion über die stilistisch angemessene Ausführung von Violinmusik entsprechend ihrer Entstehungszeit bis zu einem gewissen Grad etabliert hat. In der vorliegenden historiographischen Studie soll diese Denkfigur des aufkeimenden Historismus erstmals mit der gelehrten Musikpraxis in Verbindung gesetzt werden. Es soll herausgearbeitet werden, dass bereits in den Violinschulen der Aufklärung und der Romantik Denkformen des Historischen existieren. Dabei wird aufgezeigt, inwiefern diese von der jeweiligen Zeit- und Wissenschaftsgeschichte beeinflusst sind. Des Weiteren wird dargestellt, welche kontrastierenden oder sich wandelnden Positionen sich im damaligen Fachdiskurs identifizieren lassen. Aus dem Zeitraum von 1693 bis 1834 werden 36 Quellen – Traktate für Autodidakt*innen, gemischte Werke sowie professionelle Violinschulen – ausgewertet. Neben konkreten Musikbeispielen fließen weitere Archivmaterialien der Zeit wie z.B. Artikel oder Programmhefte mit ein.

Betreuung: Prof. Dr. Irene Holzer

Förderer: Promotionsförderung des Cusanuswerks

Kontakt zur Autorin: schroeder.la@campus.lmu.de

Emanuel Moór (1863–1931) war ein ungarisch-schweizerischer Komponist, dessen Œuvre bislang nur unvollständig wissenschaftlich erschlossen ist. Das Dissertationsprojekt widmet sich der systematischen Erschließung seines kompositorischen Werkes durch die Erarbeitung eines wissenschaftlichen Werkverzeichnisses in Kooperation mit der in München ansässigen Henrik und Emanuel Moor Stiftung. Auf Basis der im Stiftungsarchiv verwahrten Quellenbestände sowie weiterer Materialien werden die überlieferten Werke Moórs bibliographisch, quellenkritisch und werkgeschichtlich erfasst und in einer konsistenten Werkordnung zugänglich gemacht.

Parallel dazu untersucht das Projekt grundsätzlich, inwiefern die etablierte Methodik der Werkverzeichnisforschung durch Ansätze der Musikinformatik sinnvoll erweitert werden kann, etwa durch datenbankgestützte Strukturen, standardisierte, maschinenlesbare Notenrepräsentationen oder computerunterstützte Analyseverfahren. Ziel ist es, einen tragfähigen Rahmen für die digitale Erschließung von Moórs Werk zu entwickeln, der zugleich exemplarisch Perspektiven für künftige, musikinformatisch angereicherte Werkverzeichnisse in der Musikwissenschaft aufzeigt.

Betreuung: Prof. Dr. Hartmut Schick

Kontakt zum Autor: christoph.schuller@campus.lmu.de

Die amerikanische Minimal Music mit ihren Hauptvertretern Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley (und John Adams) hat sich im Konzertbetrieb der Gegenwart fest etabliert. Bei ihrem ersten Auftreten in Europa in den frühen 1970er Jahren rief sie jedoch ambivalente Reaktionen hervor: Einerseits griff man in der altbewährten Tradition des europäischen Antiamerikanismus auf abwertende Vorurteile über die US-Kultur zurück. Kritik an postmodernen Wandlungsprozessen der Konsumgesellschaft verband sich mit nationalen Stereotypen. Andererseits löste die Minimal Music überraschend positive Reaktionen aus, beeinflusste Diskurse der europäischen Neuen Musik nachhaltig, überbrückte den Graben zwischen U- und E-Musik und beförderte die Bildung einer eigenen, europäischen Minimal Music-Bewegung. Das Dissertationsprojekt möchte die Rezeption der amerikanischen Minimal Music in Europa detailliert analysieren. Es werden zahlreiche Reaktionen auf vordefinierten Ebenen – darunter „Labeling“, kompositorisch, theoretisch-diskursiv – dokumentiert, ausgewertet und innerhalb einer europäisch-amerikanischen Interkulturalität verortet. Die Entwicklung der europäischen Minimal Music wird erstmals als zusammenhängendes historisches Ereignis erforscht und als eigenständige Bewegung behauptet. Als Rezeptionsforschung zur Minimal Music leistet das Dissertationsprojekt einen bisher unberücksichtigten Beitrag zu den USA-Europa-Studien hinsichtlich der eng verwobenen Musikgeschichte beider Kontinente.

Betreuung: Prof. Dr. Wolfgang Rathert

Förderer: Studienstiftung des deutschen Volkes e.V.

Kontakt zur Autorin: elisabeth.seidel@lrz.uni-muenchen.de

Die insgesamt ca. 113 Musikdrucke, die in der Offizin des ersten in München tätigen Musikdruckers Adam Berg zwischen 1566 und 1610 entstanden, sind bisher hauptsächlich im Rahmen von Editionsprojekten behandelt worden. Dies gilt vor allem für die Drucke mit Werken von Orlando di Lasso, die im Oeuvre des Münchener Hofdruckers den Großteil der veröffentlichten Bände ausmachen. In der Forschungsliteratur zu den gedruckten Komponisten spielen in der Regel vielmehr die enthaltenen Stücke als das Medium Druck an sich eine Rolle.
Das Dissertationsprojekt fasst den Bereich des Portfolios Adam Bergs ins Auge, dem bisher eher geringere Aufmerksamkeit zukam: Für die rund 15 Motettendrucke von Komponisten „abseits“ von Orlando di Lasso (darunter beispielsweise Ivo de Vento, Georg Schwaiger, Jacob Reiner und Blasius Amon) werden Aspekte der Inhaltszusammenstellung und -strukturierung und der paratextuellen Elemente herausgearbeitet. Durch den Abgleich mit exemplarischen in München erschienenen Bänden des Druck-Strategen Orlando di Lasso soll so ein umfassendes Bild der Publikationsstrategien für Drucke aus der Offizin Adam Bergs, ihres Wandels und ihres Bezugs zu historischen Ereignissen und Persönlichkeiten gezeichnet werden.

Betreuer: Prof. Dr. Hartmut Schick und Prof. Dr. Irene Holzer

Förderer: IDK Philologiedurch das Elitenetzwerk Bayern

Kontakt zur Autorin: F.Strobl@campus.lmu.de

Komponistinnen sind schon seit längerer Zeit ins Interessensfeld der Musikwissenschaft und der Genderforschung gerückt. Dennoch sind viele Werke nach wie vor weitestgehend unbekannt und unzureichend erforscht. Ebenso verhält es sich mit den Orchesterwerken von Luise Adolpha Le Beau (1850-1927). Während ihrer Biographie und den Kammermusikkompositionen bereits vermehrt Aufmerksamkeit geschenkt worden ist, sind zum jetzigen Zeitpunkt (Dezember 2025) von den fünf Orchesterwerken gerade einmal drei ediert, von nur einem liegt eine CD-Einspielung vor und die wenigen wissenschaftlichen Artikel zu den großen Instrumentalwerken gehen kaum in die Tiefe.

Die Dissertation betrachtet die Orchesterwerke und Solokonzerte Le Beaus: die Konzertouvertüre op. 23, die Fantasie für Klavier mit Orchesterbegleitung op. 25, das Konzert für Klavier mit Orchesterbegleitung op. 37, die Sinfonie für großes Orchester op. 41 und die sinfonische Dichtung „Hohenbaden“ op. 43. Neben der Form- und Stilanalyse stehen die Entstehungsgeschichte, die vergeblichen Bemühungen um die Verlegung sowie die Rezeption der Werke vor dem Hintergrund der Biographie der Komponistin, der Zeit und ihrem Umfeld im Zentrum der Dissertation. Zudem ist ein aktualisiertes Werkverzeichnis Teil der Arbeit, das auch online verfügbar sein soll. Die stark durch die Komponistin beeinflusste Materiallage bietet dabei einerseits einen reichen Informationsschatz, stellt aber auch gleichzeitig vor Herausforderungen.

Betreuung: Prof. Dr. Hartmut Schick

Kontakt zur Autorin: Tabea.Umbreit@lmu.de

Im Zeitalter der Aufklärung bemühte man sich um eine umfassende Rationalisierung der Lebenswirklichkeit. Die sogenannte „Entzauberung der Welt“ (Max Weber) ging durch die Verbannung des „Anderen der Vernunft“ (Böhme) von statten, zu dem insbesondere der Aberglaube und sein Personal zählte. Doch je mehr Gestalten wie Gespenster oder Untote aus dem Alltag verschwanden, desto mehr hielten sie Einzug in die Kunst. Ob ganz ernsthaft, parodistisch, oder als Täuschung eingesetzt, sie faszinieren uns offenkundig bis heute. Um ihr zentrales Charakteristikum, die Verortung zwischen unserer Welt und einem unbekannten Jenseits, darzustellen, entwickelte jede Kunstgattung ihre eigenen Strategien.
Ich gehe in meiner Arbeit der Frage nach, wie sie klingen: Wie vertonten Komponist*innen Gespenster und Untote, und warum? Welche Topoi zeichnen sich dabei zeit- und werkübergreifend ab? Ich analysiere zur Beantwortungen dieser Frage gattungsübergreifend Werke aus dem Zeitraum 1800 bis heute. Eingeschränkt wird mein Repertoire dadurch, dass es im Werk explizit um solche metaphysischen Grenzgänger gehen soll, die gezielt musikalisch charakterisiert werden.

Betreuung: Prof. Dr. Hartmut Schick

Kontakt zum Autor: quirin.vogel@lmu.de

Die beiden Konzerte für Klavier (linke Hand) und Orchester „Parergon zur Symphonia Domestica“ und „Panathenäenzug“ nehmen gewissermaßen eine Sonderstellung im Schaffen von Richard Strauss ein. In den 1920er Jahren als Auftragsarbeit für den kriegsverletzten linkshändigen Pianisten und Mäzen Paul Wittgenstein komponiert, entstanden die Konzerte als instrumentale „Nachzügler“ in einer Zeit, in der sich Strauss nach eigener Aussage längst der Oper zugewandt hatte. Dass beide Werke im Schatten der Opern entstanden und sich (scheinbar) schwer in die ästhetischen Prämissen eingliedern, die sich Strauss selbst gegeben hatte, hat sich allem Anschein nach bis heute in der Rezeption der beiden Klavierkonzerte niedergeschlagen: Weder haben sie Eingang ins Konzertrepertoire gefunden, noch wurde ihnen musikwissenschaftlich eine größere Aufmerksamkeit zuteil.
Zudem gilt die allgemeine Problematik, dass viele Strauss’sche Kompositionen noch immer aus den häufig fehlerbehafteten Erstdrucken gespielt und anhand dieser erforscht werden, für die beiden Klavierkonzerte in verstärktem Maße: Posthum und damit ohne Mitwirkung des Komponisten gedruckt, sind die verfügbaren Notendrucke unpräzise, teils sogar eindeutig fehlerhaft.
Das vorliegende Editionsprojekt versucht deshalb zweierlei: Erstens sollen die genauen Hintergründe der Entstehung und Überlieferung rekonstruiert werden, um so erstmals eine fundierte Verortung der beiden Kompositionen im Schaffen des Komponisten zu ermöglichen. Zweitens soll als Hauptteil eine wissenschaftlich-kritische Ausgabe unter Berücksichtigung sämtlicher verfügbarer Quellen, insbesondere des jeweiligen Autographs, erarbeitet werden.

Betreuung: Prof. Dr. Hartmut Schick

Förderer: Bayerische Akademie der Wissenschaften